Artiste souvent décrite comme une pionnière de l’abstraction, Hilma af Klint peignait des cercles, des spirales et des formes végétales sur des toiles de plus de trois mètres alors que personne, en Europe, ne parlait encore d’art abstrait. Née à Stockholm en 1862, formée à l’Académie royale des beaux-arts, elle mène une double vie de peintre de paysages reconnue et de chercheuse de l’invisible.
Son œuvre abstraite, commencée en 1906, est restée invisible pendant des décennies avant d’être remise au centre du récit historique de l’art. En 2026, l’exposition parisienne consacrée à son travail relance une question simple et vertigineuse, celle de savoir qui a réellement ouvert la voie à l’abstraction.
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Hilma af Klint naît à Stockholm le 26 octobre 1862 et meurt à Djursholm le 21 octobre 1944. Elle grandit dans une famille suédoise aisée, liée aux milieux navals et scientifiques, un environnement où l’observation, la cartographie et les mathématiques font partie du quotidien.
Cette familiarité avec la rigueur scientifique marquera durablement son vocabulaire visuel, fait de diagrammes, de schémas et de tracés géométriques.
En 1882, elle entre à l’Académie royale des beaux-arts de Stockholm, où elle reçoit une formation académique exigeante, notamment en dessin technique et en peinture. Après ses études, elle se fait connaître comme peintre de paysages et de portraits, une activité qui lui assure une reconnaissance locale et une certaine indépendance matérielle.
Rien, dans cette première carrière, ne laisse deviner la rupture qui va suivre. C’est pourtant cette maîtrise classique qui rend possible, ensuite, la liberté de ses grandes compositions non figuratives.
La position de Hilma af Klint comme pionnière de l’abstraction repose d’abord sur une question de dates. Dès 1906, à quarante quatre ans, elle met au point une imagerie abstraite riche en formes symboliques, plusieurs années avant l’émergence publiquement reconnue de l’abstraction moderniste.
Le Moderna Museet de Stockholm situe explicitement ses recherches avant celles de Kandinsky, Mondrian et Malevitch, encore souvent présentés comme les principaux pionniers de l’art abstrait du XXe siècle.
Il reste plus rigoureux de la présenter comme l’une des premières artistes à avoir développé une abstraction autonome et systématique, plutôt que comme l’inventrice de l’abstraction. La priorité chronologique ne suffit pas à elle seule à fonder une importance historique, puisqu’il faut aussi considérer la diffusion des œuvres, leur réception et leur influence effective sur d’autres créateurs.
Ce que son cas met en lumière, c’est surtout la fragilité d’un récit historique de l’art construit autour de quelques avant-gardes publiques et masculines.
| Date | Événement |
|---|---|
| 1862 | Naissance de Hilma af Klint à Stockholm |
| 1882 | Entrée à l’Académie royale des beaux-arts de Stockholm |
| Fin du XIXe siècle | Activité reconnue de peintre de paysages et de portraits |
| 1906 | Début de ses grandes recherches abstraites |
| 1907 | Début de la série Les Dix Plus Grands |
| 1944 | Mort de l’artiste à Djursholm |
La formule Hilma af Klint avant Kandinsky circule beaucoup, et elle mérite d’être précisée. Les sources institutionnelles établissent une antériorité chronologique de certaines de ses œuvres par rapport aux premières abstractions attribuées au peintre russe, généralement situées autour de 1910 à 1913. Elles n’établissent pas pour autant une influence directe de la Suédoise sur lui.
Il est donc plus juste de parler de recherches parallèles, nourries par un même terreau intellectuel. Le spiritualisme, la théosophie puis l’anthroposophie traversaient alors toute l’Europe savante, et Kandinsky lui même adossait sa réflexion picturale à une quête spirituelle.
Deux trajectoires distinctes, l’une rendue publique et théorisée dans des écrits diffusés, l’autre gardée à l’écart du marché et des salons, ont abouti à des solutions plastiques comparables. C’est cette dissymétrie de visibilité, plus que la qualité des œuvres, qui explique la place respective des deux artistes dans les manuels.
Hilma af Klint s’intéressait profondément à l’ésotérisme et concevait certaines de ses œuvres comme des représentations de réalités invisibles. Elle a participé, avec un groupe de quatre autres femmes appelé The Five, ou Les Cinq, à des séances spirites régulières, et elle attribuait à des communications spirituelles une partie de l’impulsion à l’origine de ses séries abstraites.
Ce point relève de ses croyances et du contexte intellectuel de son époque, et non d’un fait démontrable, mais il est indissociable de la compréhension de son travail.
Chez elle, la spiritualité n’est pas un thème décoratif ajouté à la peinture. Elle structure le vocabulaire visuel, l’organisation en séries, le format des toiles et jusqu’à la fonction assignée à l’art. La théosophie et, plus tard, l’anthroposophie de Rudolf Steiner lui fournissent une grammaire de correspondances entre couleurs, formes et états de conscience. Sa peinture est programmatique au sens strict, elle obéit à un plan d’ensemble dont chaque tableau constitue un élément.
À retenir
L’abstraction de Hilma af Klint n’est pas une absence de sujet. Elle vise à rendre visibles des phénomènes que l’œil ne perçoit pas, forces spirituelles, cycles naturels, évolution de la conscience et relations entre les êtres.
À l’automne 1907, elle commence la première toile de la série Les Dix Plus Grands, dix peintures monumentales réalisées en quarante jours environ. Ces formats dépassent l’échelle du tableau de chevalet et rapprochent l’œuvre de la fresque ou du décor rituel.
La série appartient à un ensemble plus vaste, les Peintures pour le Temple, un cycle conçu pour un édifice imaginaire en spirale, pensé comme un parcours et non comme une collection d’œuvres indépendantes.
Les Dix Plus Grands suivent les âges de la vie, de l’enfance à la vieillesse. On y trouve des aplats de couleur, des spirales, des cercles, des lettres, des motifs végétaux, des formes biomorphiques et des structures géométriques qui cohabitent sans hiérarchie.
La lecture la plus souvent retenue par les musées y voit une réflexion sur l’évolution, la conscience et les forces complémentaires de l’existence. C’est cette ambition de peinture monumentale à visée initiatique qui distingue son projet de la plupart des expérimentations abstraites contemporaines.
Son langage repose sur un ensemble de signes récurrents, employés avec une constance qui tient du système. Les couleurs y jouent un rôle de code plus que d’effet plastique.
Voici les éléments les plus fréquemment identifiés dans ses compositions :
Ce symbolisme chromatique ne fonctionne pas comme une clé unique. Hilma af Klint a laissé des carnets abondants, mais ses notations varient selon les périodes, et les interprétations restent ouvertes. Cette part d’opacité fait partie de l’œuvre, qui demande au spectateur un temps de contemplation plutôt qu’un déchiffrage rapide.
Hilma af Klint n’a pas cherché à exposer largement ses peintures abstraites de son vivant. Elle estimait que son époque n’était pas prête à les recevoir et a laissé des instructions restrictives concernant leur diffusion après sa mort. Plus de mille œuvres et de nombreux carnets sont ainsi restés dans un fonds privé, hors du circuit des galeries, des collections publiques et des ventes.
S’ajoute une raison structurelle. Son travail s’intégrait mal dans un récit moderniste construit autour de manifestes, de groupes et de figures masculines, un récit qui tenait volontiers la référence spirituelle explicite pour un archaïsme.
La redécouverte s’est accélérée au XXIe siècle. Le Moderna Museet de Stockholm a joué un rôle déterminant avec l’exposition Hilma af Klint, A Pioneer of Abstraction, étape majeure de sa reconnaissance institutionnelle, puis l’exposition du Guggenheim de New York en 2018 a installé son nom auprès du public international.
Le Grand Palais accueille à Paris l’exposition Hilma, du 6 mai au 30 août 2026, présentée avec le concours du Centre Pompidou. C’est l’occasion la plus directe, pour un public français, de mesurer l’échelle réelle des toiles, que les reproductions ne restituent pas.
À partir du 12 juin 2026, le Museum of Modern Art de New York présente également des œuvres de l’artiste. Le Moderna Museet de Stockholm conserve pour sa part un ensemble de référence. Les dates, horaires et conditions d’accès étant susceptibles d’évoluer, il est prudent de les vérifier auprès des institutions avant tout déplacement.
| Date | Exposition |
|---|---|
| 2013 | Exposition A Pioneer of Abstraction au Moderna Museet |
| 2018 | Exposition au Solomon R. Guggenheim Museum de New York |
| 2026 | Exposition Hilma au Grand Palais, du 6 mai au 30 août |
| 2026 | Présentation d’œuvres au MoMA de New York à partir du 12 juin |
Nous suivons avec attention la façon dont l’histoire de l’abstraction se réécrit, parce que les questions posées par Hilma af Klint restent les nôtres. Chez Liliane Cazeneuve, la peinture est née d’un trajet allant de la chimie à l’alchimie des couleurs, de la physique à la métaphysique, du corps à l’esprit, des analyses à la psychanalyse, en passant par le yoga, le zen, la méditation et l’écriture poétique.
Comme chez l’artiste suédoise, le tableau y fonctionne comme un dialogue avec la matière plutôt que comme l’exécution d’une image préalable.
Cette parenté se lit dans le traitement des surfaces. La superposition de papiers de soie et de papiers de mûrier, la résine, les couches translucides construisent une profondeur qui appelle la contemplation, comme dans Kundalini, ou Éclipse.
Les techniques employées sont détaillées sur la page des papiers maroufles, et la poésie qui accompagne l’atelier se lit notamment dans Elle peint. L’ensemble du travail est consultable sur le site de Liliane Cazeneuve.
Bon à savoir
En France, l’acquisition d’œuvres originales d’artistes vivants par une entreprise ouvre droit à un dispositif fiscal spécifique, sous conditions d’exposition et de comptabilisation. Il convient de le vérifier avec un conseil compétent avant tout achat.
Sa réintégration dans le récit historique de l’art ne consiste pas à déclasser Kandinsky, Mondrian ou Malevitch. Elle oblige plutôt à admettre que l’abstraction n’a pas eu un point d’origine unique, mais plusieurs foyers, dont certains se sont développés à l’écart des avant-gardes déclarées.
Elle rappelle aussi que l’histoire des pionnières de l’abstraction reste en partie à écrire, et que la visibilité institutionnelle, plus que la date de création, a longtemps déterminé qui entrait dans les manuels. Pour un collectionneur comme pour un simple visiteur, c’est une invitation à regarder les œuvres avant les étiquettes.
Redécouverte tardivement, Hilma af Klint apparaît aujourd’hui comme l’une des figures majeures de l’abstraction, aux côtés de Kandinsky, Mondrian ou Malevitch, mais selon une trajectoire parallèle, intimement liée aux courants spirituels de son temps.
Ses grandes séries programmatiques, de nature monumentale et symbolique, montrent que l’abstraction peut être à la fois un langage plastique autonome et un outil de réflexion sur l’invisible, l’évolution de la conscience et la place de l’humain dans le vivant.
Oui, elle a rédigé plus d’une centaine de carnets, mêlant notes de séances, schémas, listes de correspondances symboliques et commentaires sur ses séries. Ces documents sont progressivement étudiés et publiés, et ils constituent la principale source d’interprétation de son vocabulaire visuel.
La quasi totalité de sa production est conservée au sein d’un fonds dédié et n’est pas destinée à la vente. Le marché ne concerne donc pour l’essentiel que des catalogues, des ouvrages et des reproductions éditées par les musées.
La théosophie, courant fondé à la fin du XIXe siècle, a nourri ses premières recherches. L’anthroposophie de Rudolf Steiner, dont elle se rapproche plus tard, met davantage l’accent sur l’observation et sur la formation intérieure, ce qui coïncide avec une évolution de sa peinture vers des compositions plus dépouillées.
Un premier passage sans lire les cartels permet de laisser venir les sensations de couleur, de rythme et d’échelle. Les informations historiques prennent ensuite leur sens, et la contemplation prolongée reste le meilleur outil d’approche, devant une toile de 1907 comme devant une œuvre contemporaine.
Plusieurs artistes femmes ont mené des recherches non figuratives dans les mêmes années en Europe et en Russie, souvent documentées tardivement. Les travaux de recherche menés depuis une quinzaine d’années par les musées contribuent à en préciser la chronologie.